Uno guarda il trailer di Afterschool e si convince che la storia è buona e che la narrazione potrà essere qualcosa di diverso dal solito.
Ecco… sbagliato!

Robert è matricola in uno di quei college per superfighi, dove i più grandi la fanno da padroni ed i nuovi arrivati sono costretti ad adattarsi.
Il quotidiano della scuola scorre tra sesso (parlato e millantato più che compiuto) e droghe di varia natura.
Quello di Robert e dei suoi amici si limita invece a qualche masturbazione sfruttando i video su Youtube.

Poi però capita che Robert registri con la sua videocamera la morte per overdose di due gemelle, bellissime, osannate e idolatrate da tutti.
L’evento, come è ovvio sconvolge (ma nemmeno poi troppo) la vita del college.
A Robert viene assegnato il compito di realizzare un video commemorativo sulle gemelle ma nemmeno questo serve a risolvere la sua profonda crisi.

Succedono altre cose, ma di poco conto, come di poco conto è l’intero film di Antonio Campos.

Si comincia con alcuni dei video più famosi presenti su Youtube, dal bambino che ride all’impiccagione di Saddam Hussein.
Chiaro quindi che saranno i video al centro della vicenda, quale che sia la storia raccontata.
Il problema è che la storia (che di suo non sarebbe nemmeno malaccio) è raccontata con un ritmo esageratamente lento (leggi: decisamente moscio).
Per mezz’ora osserviamo dall’alto le giornate dei ragazzi, poi all’improvviso le immagini passano alla soggettiva della videocamera di Robert ed allora abbiamo un cambio di ripresa che rimpicciolisce lo schermo ma mantine il tono moscio dell’inizio.
E la videocamera ci accompagna fino alla morte delle ragazze.

A questo punto uno si aspetta il cambio di ritmo, l’accelerata… ed invece niente!

La differenza tra le sequenze girate in maniera classica e quelle lasciate allo sguardo della videocamera è minima.
Però è minima in negativo, nel senso che spesso le inquadrature tradizionali sembrano realizzate con una videocamera amatoriale.
Immagini fisse e soggetti spesso non centrati (o addirittura fuoricampo) avrebbero un senso stilistico se non ci fosse il contraltare delle immagini amatoriali, ma così sembrano solo inquadrature sbagliate.

A peggiorare il tutto c’è anche la peggior scena di sesso dell’anno.
Ezra Miller e Addison Timlin ci regalano una sequenza dimenticabile  per il loro primo rapporto sessuale (ma questa volta lo squallore è probabilmente voluto).

E chiudo la questione con la sorpresa finale, talmente astrusa dal resto della vicenda, talmente poco rivelatrice da non suscitare nessuna emozione.

Mi rendo conto della durezza del mio giudizio ma mi aspettavo decisamente di più per un film di cui si era parlato bene.
La cosa migliore rimane invece la presenza della locandina di Hatchet nella camera del ragazzo.

Così quando Gianluca è riuscito a pubblicarlo non me lo sono fatto scappare.

Il grande elenco telefonico della Terra e pianeti limitrofi (Giove escluso) è una telefonata, una lunga telefonata tra un terrestre del 2010 e un alieno che chiama dalla Terra del 2054.
L’alieno è sul nostro pianeta dopo averlo regolarmente acquistato, solo che al suo arrivo (lui e tutti i suoi tre miliardi e rotti di complanetari) l’ha trovato ridotto maluccio e completamente deserto.
Così ha composto il numero telefonico presente sull’unica struttura presente sul pianeta: un cartellone pubblicitario.
E a quel numero risponde un terrestre di 40 anni prima, che ovviamente non sa nulla della situazione e non può essere d’aiuto.

Questo lo spunto. Da lì si parte per un incredibile viaggio alla scoperta di due civiltà completamente diverse, con usi, costumi, abitudini, conoscenze e struttura biologica agli antipodi.
Il risultato è un continuo gioco di incomprensioni e di scoperte.
Il terrestre apprende così che l’Universo è abitato, che i gioviali (abitanti di Giove) sono estremamente antipatici, che i terrestri sono considerati unanimamente la razza meno evoluta.
Scopre che tutte le civiltà fanno sesso, ma non tutte per piacere.
E naturalmente scopre che si può viaggiare nel tempo… ma è vietato!

Il libro di Gianluca Neri è un continuo, ritmato scambio di battute, spesso ciniche, a volte irresistibili.
E nulla viene lasciato indietro tra gli argomenti più pressanti.
Si va dal lavoro alla religione, dal sesso al cibo, dal matrimonio all’amore, dalla morte alla scienza, dalla letteratura allo sport.

E su tutto regna Il grande elenco telefonico della Terra e pianeti limitrofi (Giove escluso), bibbia in cui c’è già scritto tutto.

Il libro è godibilissimo e lascia spazio ad ampliamenti e seguiti che pare proprio non mancheranno.
Consigliato non solo per qualche ora di sorrisi ma anche (o forse soprattutto) per prenderne spunto e riflettere su alcune delle nostre abitudini e convinzioni, obiettivamente incomprensibili agli occhi di un potenziale visitatore.

La cosa buona è che prima di un eventuale acquisto potete dare uno sguardo approfondito a parti del libro direttamente su Macchianera.

Dopo il successo planetario di Twilight la ragazza è impegnata in una serie di progetti (alcuni dei quali) interessanti.
Ma il primo di questi, The Runaways, è senza dubbio un fallimento.

Il film di Flora Sigismondi è scontato e ovvio in ogni passaggio e la storia delle Runaways viene ridotta ad un continuo passare dalla voglia di ribellione, allo sfruttamento da parte di Kim Fowley, a fiumi di droghe.

L’inizio è già bruttino.
Vediamo Joan Jett (Kristen Stewart) e Cherrie Currie (Dakota Fanning) nel loro quotidiano nei mesi prima del loro incontro.
Ribelle e vogliosa di rock’n'roll la prima, parimenti (ma un po’ meno) ribelle la seconda, alle prese con una famiglia che si sta disgregando.
Il colpo per fare il grande salto lo compie Joan contattando e convincendo Fowley.

La figura del discografico è quanto di più squallido si possa immaginare. Intento solo a creare una band di ragazzine cattive, sporche e che sprizzino sesso in faccia al pubblico… e poco conta che la musica sia buona.

Nel film le ovvietà si sprecano, a partire dalla ragazza ribelle perchè suona la chitarra elettrica, scena esemplare e quasi autoironica.
La Stewart è davvero terribile, un maschiaccio inespressivo, che si muove come uno scimmione e non riesce a dare un tono a nessuna delle sequenze cui prende parte.
Decisamente meglio la giovane Dakota, che un minimo di forza riesce a metterci e risulta anche efficace in alcune delle sequenza finali.

Il risultato complessivo è però ampiamente deludente sotto tutti i punti di vista e non bastano alcune inquadrature dall’alto (che sembrano capitare lì per caso) a dare un tono alla pellicola.

Certo il famoso bacio tra Kristen e Dakota c’è, ed è anche seguito da una specie di sequenza lesbica, solo che il livello di erotismo raggiunto non supera quello di un video di Paola e Chiara.
E proprio l’effetto videoclip la fa da padrone per buona parte del film.
Daccordo che siamo in un film che racconta la storia di una rock band, ma a tutto c’è un limite.

E dire che di temi ce ne sarebbero, ma la novità portata nel mondo del rock dalle Runaways rimane nascosta sotto strati di nulla, ed anche l’idea di una rock band tutta al femminile rimane decisamente sottotraccia, occultata dalle calze autoreggenti di Dakota Fanning.
Insomma se volete sapere qualcosa delle Runaways farete bene a leggervi la pagina di wikipedia, piuttosto che andare al cinema.

E questo non vuol dire che non si possa raccontare la nascita di una band al cinema, perchè (giusto per fare un esempio) il prossimo Nowhere Boy è tutto un’altro discorso.

Il tutto si può riassumere in sesso (pochissimo e solo immaginato), droga (a casaccio, quella che preferite) e rock’n'roll (buono, soprattutto quando passano le canzoni originali).

Chiudo come ho aperto.
Malissimo Kristen Stewart. Le occasioni non le mancheranno (a partire da Welcome to the Rileys)… ma la fiducia del sottoscritto è in calo.

L’accoppiata col clown (ed il gran numero di quadri di pagliacci trovati in casa sua) diedero il via al mito del pagliaccio cattivo, del clown killer.

Nonostante un materiale notevole come quello fornito da questa storia, Gacy, film di Clive Saunders, delude sotto parecchi punti di vista.

La trama racconta la storia cui ho accennato sopra.
John Wayne Gacy è un padre di famiglia che nel tempo libero si diverte ad adescare giovani ragazzi per violentarli e poi ucciderli.
Non usa particolari accorgimenti per non farsi beccare, nasconde i cadaveri nelle fondamenta della sua casa, da dove costantemente arriva una puzza nauseabonda ed una quantità industriale di vermi e blatte varie.

La vicenda narrata è confusa, se lo spettatore non ha ben chiara in mente la storia che sta guardando rischia di non capirci un granchè.
Non è un horror, non è un thriller, non è un dramma psicologico, non è nulla da ricordare.

Mark Holton fa il suo (ed è preoccupantemente somigliante al Gacy originale) ma intorno a lui c’è il vuoto.
Non si capisce l’evoluzione dei delitti, si fa fatica a dare una cronologia agli eventi che sembrano mischiarsi.
Il tempo scorre indifferentemente di pochi minuti o di diversi mesi (anni?) senza che lo spettatore riesca a rendersene conto.

Non riesco nemmeno a trovare un’analisi della psicologia dei personaggi.
Perchè Gacy si è trasformato in un mostro? (Non può certo bastare la ridicola introduzione con i rimproveri del padre).
Nemmeno tratteggiati i caratteri delle vittime, che si susseguono e si confondono senza chiarezza.

Perfino la follia finale in cui ci vengono finalmente mostrati alcuni degli omicidi (di cui fino a quel momento avevamo solo potuto intuire il compimento) è confusa, confondente, per nulla esplicativa.

Di buono in questo film riesco a trovare solo la bella serie di quadri di pagliacci tristi che ci vengono continuamente mostrati e le apparizioni sorprendenti sulla porta di casa dello stesso Gacy (che una volta appare tutto bardato da una tutta protettiva ed un’altra nella sua sfavillante divisa da clown).

Mi fermo qui?
Si, va… mi fermo qui.

Letizia Zen (nome cacofonico per ammissione della stessa protagonista) è una quasi trentenne che vive a Milano, sola.
La sua giornata è scandita dal lavoro di (che diavolo di lavroo fa Letizia? Una specie di donna promozione in una casa di produzione, direi…), dalle chiacchierate con l’amica figa Sofia, dalle confidenza col vicino di casa e dal rapporto contrastato (e mai chiarito) con Federico, musicista emergente.
E poi naturalmente ci sono le telefonate della madre logorroica e le serate che finiscono sempre con un po’ troppo alcool in corpo.

Il tutto corredato dal tentativo disperato di rendersi un po’ più fisicamente attraente di quello che crede di essere e di sopravvivere alla confusione della sua vita e della sua casa, senza contare l’improvviso piombare nella sua vita di Gregorio.

Fossi figa sarei una stronza è una via di mezzo tra Fabio Volo e (se vogliamo spingerci un po’ più in là) le inarrestabili e dettagliate descrizioni di Bret Easton Ellis.
Sia chiaro, la Gandini non fa alta letteratura alta. Ma il suo modo di scrivere è talmente scorrevole e coinvolgente, talmente ironico e pulito che diventa un godimento divorare il suo primo libro.

E non c’è dubbio che schiere di trentenni si ritroveranno nelle avventure di Letizia, sempre in bilico tra la delusione per quello che non riesce ad ottenere (in particolare una vita a due soddisfaciente) e l’esaltazioni per i risultati ottenuti.
Proprio questi continui alti e bassi rendono il romanzo tanto godibile ed il personaggio tanto reale.
A Letizia basta uno sguardo di Federico per essere la donna più felice del mondo e un sms frainteso per ritenere la propria vita un disastro.

E non manca nella vicenda un intrigo da scoprire, un mistero da risolvere.
Mistero costruito con abilità dall’autrice (che ha una passione segreta per il giallo).
Così come leggera e affascinante è la sua prosa, ricca di dettagli che non sfuggiranno alle donne (borse, scarpe, trucco…) e di verità amorose che non mancheranno di colpire gli uomini.

Ci sarebbero altre cose da dire sul romanzo e sul modo di scrivere di Eleonora, ma spero di poter tornare a parlarne.
Nel frattempo vi invito caldamente a leggere il libro e soprattutto invito le case di produzione cinematografiche italiane a farselo inviare perchè mi sembra una vicenda già bella e pronta per essere trasformata in un film di successo (…nel caso, che mi venga riservata una percentuale!)

Luisa è un poliziotto che ha preso parte ad un’operazione fallimentare in cui hanno perso la vita un collega ed un ostaggio.
Dopo due anni porta ancora sul corpo e nella mente i segni di quell’avventura.
Si trova però invischiata in un nuovo caso, la sparizione contemporanea di una serie di personaggi famosi.
A tirarla di nuovo sulla barca è Franco, che quel giorno era con lei.

Luisa riesce a scoprire che tutti gli scomparsi avevano partecipato dieci anni prima ad una puntata del famoso show di Sonia Norton ed è in quella trasmissione che dovrà trovare la soluzione del giallo.
Il suo sarà un viaggio nello squallore della società dell’arrivismo e dello spettacolo a tutti i costi dal quale ne uscirà (ovviamente) vincitrice.

Per una volta Margherita Buy non è una signora complessata e piena di fobie ma una poliziotta… complessata e piena di fobie.
La vicenda porterà però ad un evoluzione del personaggio che alla fine ne esce come una specie di Bruce Willis (o Mel Gibson, se preferite) sporca, senza lodi e in lotta con i poteri forti e la società.

Francesca Neri è una conduttrice tv senza scrupoli (eccessivamente senza scrupoli) che per un momento sembra poter essere la tessitrice di tutta la trama.

Il racconto di base di Niccolò Ammaniti è buono e funzionale ma il folle protagonista è davvero troppo folle e sembra voler scimmiottare malamente alcuni serial killer che hanno segnato la storia del thriller americano.
Il risultato è però un personaggio senza un reale background, senza un motivo scatenante che non sia la sua follia e il desiderio di riscattare un insuccesso televisivo.
La storia, che è comunque buona, ha però dei cali clamorosi, almeno nel modo in cui viene narrata.
L’inizio è troppo confuso. I personaggi vengono buttati in scena uno dopo l’altro col rischio di far confusione e ci vuole un po’ prima di riuscire a capire di cosa stiamo parlando.
Poi la vicenda si snoda bene  ed il thriller è costruito nella maniera classica.

Il finale però è talmente esagerato da risultare quasi comico ed assolutamente non verosimile.
L’idea di voler rappresentare l’estremo cinismo della tv e dello spettacolo a tutti costi viene malamente nascosta dalla situazione grottesca.

Anche il personaggio di Valerio Mastrandrea, che pure all’inizio sembra avere un suo ruolo salvifico, è in realtà negativo e vittima della voglia di fama a tutti i costi.
In pratica in tutta la vicenda non c’è un personaggio positivo che sia uno, escludendo forse il figlio di Luisa, che però rimane parecchio in disparte.

Dopo aver rovesciato male parole un pò su tutto vi dico però che Il siero della vanità è comunque godibile e che ha una colonna sonora decisamente buona… nonostante sia firmata da Morgan.
Come pure buone sono alcune soluzioni adottate da Infascelli e, come sempre, la scelta dei colori… che questa volta si abbinano ad una scenografia davvero buona, soprattutto per quanto riguarda lo squallore delle celle in cui sono reclusi i sequestrati.

Nota a margine: ora che sono abituato a RaiMovie mi risulta completamente impossibile pensare di vedere un film su una rete diversa che abbia della pubblicità ad interromperlo…

Così scelsi Oro Verde – la straordinaria storia del te, scritto da Alan e Iris Macfarlane, perchè mi sembrava interessante.

E non sbagliai perchè il libro è una dettagliatissima storia del tè, dei suoi rapporti con la Storia di alcune zone del mondo, con la società, con la medicina.

Interessante dal punto di vista sociale il primo capitolo, quello curato da Iris Macfarlane, per anni moglie di un direttore di piantagione in Assam e capace di comprendere come le condizioni di vita dei piantatori (dei raccolgitori e dei trasportatori) di tè fossero fuori da ogni logica ancora nei primi decenni del ’900.

Iris si trova in un mondo perfettamente definito, con le sue leggi e le sue gerarchie e prova (abbastanza inutilmente) a rivoluzionarlo, a portare istruzione e cure mediche, pulizia, socialità.
Il primo capitolo è quello scritto col cuore.

Il resto del libro, curato dal figlio Alan, è invece una interessantissima ricerca su più livelli capace di aprirci un mondo abbastanza sconosciuto.
Se le proprietà antisettiche, nutritive e mediche in generale de tè mi erano note, non avevo però mai pensato al ruolo che questa bevanda potrebbe aver avuto nell’evoluzione della società.
Il solo fatto che per l’infusione sia necessario bollire l’acqua ha portato a risolvere in gran parte il problema delle acque potabili inquinate, enorme causa di malattie e morti in India, Tibet e Cina.

Nel libro c’è tutto questo.
La storia del tè e come il tè ha potuto cambiare la storia, salvando dal punto di vista medico milioni di persone.

Ovviamente è molto interessante anche la parte che riguarda la Compagnia delle Indie, i metodi di coltivazione, l’importazione dalla Cina all’India e poi all’Inghilterra.
Come pure il modo in cui si è diffuso l’uso della bevanda e le infinite cerimonie cinesi, giapponesi… ma anche inglesi.
E tutta la parte legata alle condizioni lavorative e alle battaglie sindacali dei lavoratori dell’Assam (ancora oggi non del tutto risolte).

Difficile riassumere tutto quello che c’è nel libro, ma la lettura è senz’altro consigliata a chi volesse scoprire quale ruolo questa bevanda abbia avuto nell’evoluzione del pianeta… sebbene a tratti l’impressione è che si esageri un tantino.

L’orda (per una volta la traduzione dall’originale La horde non fa danni) è un horror con tutti crismi e merita di ritagliarsi uno spazio decente tra le uscite estive.

Un gruppo di poliziotti vuole vendicare la morte di un collega, senza andare troppo per il sottile.
Così si organizzano come un comando ed entrano nel covo del terribile Adewale e dei suoi scagnozzi con l’intenzione di farsi giustizia da soli.
L’operazione non va proprio come previsto perchè il gruppetto (la prima orda) viene beccato subito dal gruppo di malviventi (la seconda orda).
Ma mentre i due gruppi sono impegnati ad insultarsie a farsi brutalmente fuori ecco che compare la terza orda.

La città infatti è stata nel frattempo invasa da un’epidemia di zombie ed anche il palazzo diroccato dove si trovano i protagonisti è assediato.
Inevitabile quindi l’accordo tra buoni e cattivi (ma chi sono i buoni e chi i cattivi?) per cercare di sfuggire ai mostri sovrannaturali che hanno interrotto le loro sanguinose diatribe da semplici mortali.

L’inzio del film è ottimo con l’immagine del poliziotto cadavere che sembra guidarci in una storia violenta e senza esclusione di colpi.
E L’orda sarà proprio così, ma su basi diverse da quelle che ci racconta la prima parte della storia.
Si comincia infatti con una bella storia da città violenta, da blaxploitation e si continua su questa linea per un quarto d’ora, con momenti degni di nota.
Poi l’arrivo dei morti viventi ci trascina inevitabilmente nell’horror puro, ed il sangue inizia a schizzare tutto intorno con maggior vigore.
Il cambio di registro è forte e si nota, ma non sfigura assolutamente.

Tra le cose notevoli del film un cattivissimo Eriq Ebouaney ed un’inquadratura da quadro decadente quando il gruppetto arriva in cima al palazzo e vede la città in fiamme. Neri e grigi si alternano al rossastro delle fiamme con un effetto notevole.

Si sprecano le sequenze cult in cui horror e ironia si fondono molto bene.
La lite sull’amputazione della gamba, il tipo in piedi sul tettuccio della macchina circondato dall’orda di zombie, il vecchio che mitraglia i morti viventi intruppati nel corridoio.
Ma su tutte Ebouaney che uccide lo zombie fracassandogli la testa contro il muro e gridando “sono un fottuto nigeriano“.

Nota per gli horror addicted.
Attenzione perchè in questo film gli zombie corrono, corrono eccome!
Basta con questi cadaverini che deambulano a fatica, siamo nell’era della velocità ed anche i morti viventi si adattano.

Chiudo non dicendovi il finale ma aspettatevi una sorpresa per mano di Claude Perron (non splendente ma col capezzolo sempre in evidenza).
Finale a sorpresa si, ma assolutamente coerente col resto del film.

Così ieri sera è toccato a Colpo d’occhio, thriller nostrano a firma di Sergio Rubini, uno che sa come si raccontano le storie ed ha un fascino pugliese non indifferente.

Lulli è un super critico d’arte, di quelli che hanno in mano il potere di decidere quale artista far nascere, vivere o morire.
La di lui amante è Gloria, giovane critica dalle buone potenzialità.
Nella loro già complicata relazione piomba il giovane Adrian e l’amore tra i due ragazzi è inevitabile.
La fuga coincide con un grave incidente a Lulli, che tuttavia sopravviverà.

I due ragazzi si rifugiano in provincia, dove Adrian può serenamente dedicarsi alla sua arte.
Capità però che proprio in quel paesino ricompaia Lulli (con la nuova fiamma Sonia) e si trovi a giudicare un concorso cui partecipa Adrian.
Da qui parte un complicato rapporto (artistico) a tre con Lulli che sembra appoggiare e lanciare Adrianal punto da portarlo a Berlino ed organizzargli una personale a Roma.
Gloria subisce questo rapporto e la vita di coppia si incrina.

La storia evolve decisamente e viene fuori un bell’approfondimento psicologico sul rapporto tra i personaggi che finirà in tragedia.

Rubini è pazzesco per come riesce a tessere trame e a raccontarle.
Per l’intero film è evidente, pesantissimo il clima di tensione, di paura, di mistero.
Chiaro a tutti che dietro all’interesse di Lulli per Adrian c’è qualche cosa di non pulito, ma nulla ci viene mostrato ed è inutile cercare di scavare nelle scene perchè non scopriremo niente di strano fino a quando non sarà lo stesso Rubini a farcelo vedere.
Eppure la tensione è continua, ci aspettiamo la tragedia (o quanto meno l’epifania) ad ogni passaggio…

E la musica di appoggio ha una sua bella parte nel costruire la tensione.

Ottimo thriller davvero… ma veniamo alle note dolenti.
Ma perchè diavolo, caro Sergio, hai messo in mano una storia di tale spessore ad una coppia di protagonisti del calibro (sì scarso) di Riccardo Scamarcio e Vittoria Puccini?
Belli, bellissimi… praticamente incapaci.
La scena di sesso tra i due è eccitante (nessun dubbio), il viso accaldato della Puccini racconta passione vera.
Scamarcio è bello, sensuale quando modella le sue sculture.
La Puccini è splendida col suo viso dolce ed un corpo nudo che (soprattutto all’inizio)  ci viene mostrato senza remore.
Ma quanto a recitazione…

Niente pathos, tono piatto, emozione zero, credibilità sotto i tacchi.
I due non ci sono assolutamente e sono snervanti in maniera esagerata.
Se poi li confrontiamo con l’interpretazione dello stesso Rubini (Lulli) così ambigua, misteriosa e inquietante, i giovani attori attori italiani ne escono con le ossa rotte.

In definitiva Colpo d’occhio è comunque un thriller pieno di tensione, che sopravvive ai suoi protagonisti (per intenderci fa più bella figura Paola Barale nel ruolo di Sonia!).

Chicca conclusiva da apprezzare.
Non voglio svelarvela ma riguarda il passaggio dall’arte al reale, la concretizzazione di un’intuizione che diventa quasi profezia.

Il film si apre nello studio di uno psichiatra, nel momento in cui considera concluso il percorso di cura di un suo paziente, colpevole di aver ucciso i suoi tre amici tagliando una corda durante un’escursione in montagna. Lui o loro… ed ha scelto loro.
Da subito è chiaro che il figuro (di cui non vediamo praticamente mai il volto) non è per nulla guarito ed il medico è troppo spaccone per passarla liscia.

Il folle organizza così una specie di vendetta per mettere alla prova altri di fronte alla stessa scelta che ha dovuto compiere lui.
Un gruppo di ragazzi in una casa isolata e la sua dichiarazione: uccidetevi tra di voi e se domani mattina ci sarà un solo superstite, questo sarà libero.
Il gioco di morte fa inevitabilmente venire fuori gelosie e vecchi rancori tra i ragazzi.
Se poi sommiamo il desiderio di sopravvivere è inevitabile che sarà un massacro.

L’inizio di Kill Theory è decisamente scontato.
Sia la scena iniziale che l’arrivo nel cottage sono cose che abbiamo visto decine di volte in film migliori di questo.
Tuttavia il giochino organizzato dal folle è buono (anche se neppure questo è particolarmente innovativo), come pure buona è la realizzazione del film.

Tutto si gioca sulla psicologia dei personaggi.
Chi perderà prima la testa? Chi deciderà di tradire i propri amici?
L’evoluzione delle situazioni collettive e personali è ben ritmata e non lascia spazio alla noia.
Le morti si susseguono inevitabilmente.
…e poi, all’improvviso, arriva lo splatterone grazie ad un omicidio sorprendente per violenza, modalità ed autore.
E vi assicuro che lo splatter a sorpresa è una delle cose che mi danno maggior godimento quando guardo un film.

Curiosità degne di nota.
Pochine.
Vi segnalo giusto il ragazzo che si muove con le manette penzoloni per tutta la prima parte del film come pure la buona scena di gelosia improvvisa tra due ragazze che, nel bel mezzo della tragedia, finiscono per concentrarsi sulla propria rivalità dimenticando il contorno… solo che hanno in mano due pistole!

Buona la mostra di giovani corpi offerta dalle attrici, anche se si sente la mancanza di un po’ di nudo…

Giudizio sintetico: Agnes Bruckner è più figa di Ryanne Duzich.

Travis Betz è uno che non si spaventa certo di sperimentare e questa volta ne da piena dimostrazione.

Justin è seduto in una stella a cinque punte disegnata sul pavimento e da lì, grazie ad un antico libro evoca il demone Lo.
Vuole che il demone cerchi all’inferno la sua ragazza April, rapita da un demone che lo ha quasi ucciso.
Il dialogo con Lo è difficile, sempre sul confine dell’inganno.
Risulta però chiaro che April stessa è un demone e riportarla sulla terra è un problema non da poco.
Il finale è sorprendente e non ve lo racconto.

Come vedete la trama non è eccessivamente innovativa, se si esclude il concetto (comunque non esclusivo) di un demone che si innamora di un umano.
La genialità di Betz arriva tutta dalla messa in scena.
La scenografia è più che essenziale. I soggetti si stagliano nel buio dello sfondo, per tutta la durata del film vediamo il dialogo tra Justin e Lo e null’altro intorno. Le uniche interruzioni arrivano dalla ricostruzione della vicenda di Justin ed April, realizzata ricreando un palcoscenico teatrale con tanto di quinte in vista.

Tutto si svolge in questo non ambiente, in un tempo non ben definito.
L’intero film potrebbe essere riprodotto nello stesso identico modo su un palco di un teatrino di periferia, scena finale a parte, l’unica (un paio di minuti) che si svolge in un appartamento.

Sullo stesso piano è il trucco dei demoni. Ottimo, curato, ma assolutamente artigianale nella realizzazione. E per artigianale intendo fatto a mano con le buone vecchie tecniche dei maestri del make up.
E visto che siamo alle cose tecniche, direi che sono ottimi anche i pochissimi effetti speciali che si vedono.
Luci e musiche fano il resto.

Quello che colpisce è comunque la messa in scena che (pur estrema) non disturba assolutamente ed è estremamente efficace.

E positiva è anche la narrazione perchè Lo è ironico, teso. Le musiche aiutano la tensione a salire ma servono anche a sdrammatizzare con due intermezzi da musical ottimamente inseriti e necessari alla comprensione della vicenda.

Una nota di merito anche per Ward Roberts, spesso costretto a recitare da solo e capace di tirar fuori una forza notevole per espressività e carica emotiva.

Chiusura con i disegni che accompagnano i titoli di coda, anch’essi meritevoli.

Des Essient eredita la fortuna del padre e questo gli permette di vivere di rendita, una rendita esagerata.
La sua formazione però, o meglio la deformazione della sua formazione, lo porta ad odiare la compagnia del prossimo e a riuscire a sopravvivere solo in un mondo che pian piano riesce a costruirsi intorno, isolandosi dal resto del mondo.
La sua casa diventa una regno fantastico ma al tempo stesso una prigione che lo porterà alla malattia e alla follia (sebbene non dichiarata).

Il romanzo è un continuo descrivere, raccontare, scegliere.
Non si tratta però di una descrizione sterile degli ambienti, qui si analizza il tutto attraverso la mente di Des Essenties.
Così seguiamo passo passo la scelta dei colori del suo studio, quella dell’arredamento, ma anche la lunghissima operazione di selezione dei profumi più adatti.

Des Essenties è un esteta, attento ad ogni minimo dettaglio. Disposto ad aspettare per trovare la soluzione migliore, salvo poi maledirsi per il tempo perso.
In fondo (ma in realtà anche in superficie) è un infelice, incapace di vivere e di provare piacere, nemmeno dalle dettagliate invenzioni di cui si circonda.

La prosa di Huysmans è devastante per la ricchezza di particolari e di dettagli.
Ogni capitolo è un delirio di approfondimento stilistico.
Vi bastino due momenti (che peraltro arrivano uno dietro l’altro nella vicenda).
La descrizione della scelta della tartaruga (viva) da mettere in salotto perchè si abbini al tappeto è un momento geniale e orribile, che si conclude con la morte della povera bestia dopo che il protagonista decide di farla placcare d’oro per avere una luce migliore.
Subito dopo (o prima) è la sconvolgente descrizione del mal di denti e della ricerca affannosa di un dentista capace di alleviargli il dolore. Non si risparmiano particolari sanguinolenti e dettagliatissimi.

Il protagonista, che poi è un personaggio fortemente negativo ha molto di Huysmans, delle sue fobie e soprattutto della sua evoluzione e conversione degli ultimi anni.
Romanzo eccessivo quindi, controcorrente senza dubbio, ma anche profondamente autobiografico.